lunes, 30 de julio de 2012

Eje de Acción y Salto de Eje


¿Qué es el eje de acción?
Cuando en una escena tenemos, por ejemplo, un diálogo entre dos personajes, se crea una línea imaginaria que une la mirada de los personajes conocida como “Eje de Acción”.

¿Para qué sirve el eje de acción?
Nos indica cuáles son las posiciones correctas para la cámara y los actores. La regla es muy simple, debemos colocar la cámara siempre en el mismo lado del eje durante la conversación, de lo contrario se produciría un error que suele desconcertar al espectador porque parece que los personajes no se miran mientras hablan, lo que en cine se llama “salto de eje”.


En el siguiente vídeo veremos una conversación entre dos personajes, en primer lugar veremos la escena grabada de forma correcta.



A continuación veremos la misma secuencia, pero con el citado error del salto de eje. Los actores mantienen la misma posición que en el primer vídeo, aunque la impresión es que no están frente a frente.




¿Qué ocurre si en escena hay más de dos personajes?
Si en tu escena hay tres personajes A, B y C, se crean nuevos ejes de acción: A-B, A-C y B-C. Y así sucesivamente, parece complicado pero no lo es tanto, ten en cuenta que si tienes siete personajes en una escena no es necesario que calcules los 27 posibles ejes de acción, solo los de los personajes que interactúen entre si con diálogos o acción. Además, influye la posición de los personajes, por ejemplo en una secuencia en la que un capitán está pasando revista a su tropa, probablemente solo necesites tener en cuenta un solo eje de acción: el del capitán y la tropa en conjunto, ya que todos los soldados están en la misma posición y miran al mismo lado, vista al frente.

Para evitar errores con el eje de acción, la escena hay que prepararla bien desde el storyboard. También hacer un boceto de escena puede ayudarte a ver claramente dónde puedes poner la cámara y los personajes.

Podemos usar el salto de eje como un recurso visual, por ejemplo para remarcar que un personaje se ha perdido en el bosque, intercalando planos donde corre hacia la derecha con otros corriendo hacia la izquierda, o un boxeador parecerá que recibe golpes de todos los lados, o para reflejar un trastorno de doble personalidad como hizo Peter Jackson en El señor de Los Anillos en la secuencia en la que Gollum se debate entre sus dos personalidades.

jueves, 5 de julio de 2012

Stop Motion


Ray Harryhausen, el maestro del Stop Motion

La técnica del stop motion consiste en filmar objetos estáticos fotograma a fotograma con pequeñas variaciones en la posición de los mismos en cada fotograma, de forma que al reproducir la secuencia de imágenes, como si fuera una película, se crea una animación.

Tim Burton con los personajes de Pesadilla Antes de Navidad (1993)

Para crear una animación con esta técnica podemos emplear todo tipo de objetos como juguetes, material de oficina, soldaditos de plomo, fruta, recortes de papel, muebles... en definitiva, con cualquier cosa que se nos ocurra. Otra posibilidad para realizar estas animaciones es modelar tus propios personajes, sobre un esqueleto de alambre, empleando materiales como plastilina, látex, tela...


Preparación de una secuencia de La Novia Cadáver (2005)

El stop motion se ha utilizado en cine prácticamente desde sus orígenes. Podemos ver un ejemplo en “El Hotel Eléctrico” (1908), dirigido por el español Segundo de Chomón, dónde el equipaje, muebles y otros elementos de un hotel parecen moverse solos. Otros ejemplos más reconocibles son King Kong (1933) y más recientemente Terminator (1984), dónde se animó el esqueleto metálico del T-800, Robocop (1987), los movimientos del robot ED-209 que pretende reemplazar a Robocop se realizaron con esta técnica. También podemos ver ejemplos en Jasón y Los Argonautas (1963), Simbad El Marino (1962), Willow (1988), o El ejercito de las Tinieblas (1992) Se cuenta que Steven Spielberg pensó en emplear está técnica para hacer sus dinosaurios de Parque Jurásico (1993), para lo que contaba con la colaboración del maestro en esta técnica, Ray Harryhausen, pero finalmente fue desechada por que estas animaciones carecen de desenfoque de movimiento al ser imágenes fijas y resta realismo en movimientos rápidos.



Terminator (1984)

Robocop (1987)

Simbad el Marino (1962)

Jasón y los Argonautas (1963)

El stop motion no sólo se ha usado en cine para la integración de personajes y objetos, sino que también se han llegado a hacer largometrajes empleando exclusivamente esta técnica de las que podemos destacar títulos como Los Mundos de Coraline (2009), Pesadilla Antes de Navidad (1993), La Novia Cadáver (2005) o la serie de películas de Wallace y Gromit.


Los Mundos de Coraline (2009)

La Novia Cadáver (2005)

Pesadilla Antes de Navidad (1993)

Esta técnica también es muy empleada en otros sectores audiovisuales como el mundo de los videoclips o la publicidad.
En un próximo artículo veremos de forma práctica como realizar algunas animaciones con stop motion, qué equipo necesitamos y qué programas informáticos nos pueden facilitar la producción.

martes, 7 de febrero de 2012

La pértiga de sonido


Esta herramienta se emplea para acercar el micro a los actores sin que éste se vea en el encuadre. La pértiga consiste en una barra telescópica que suele estar fabricada en fibra de carbono o aluminio, que tiene una longitud que oscila, aproximadamente entre los 2 y 6 metros y una rosca un extremo para fijar el soporte del micrófono.

Cómo se usa
La pértiga debe colocarse siempre horizontalmente, lo más cerca posible de las cabezas de los actores, sin que entre en plano, y algo por delante de ellos, para recoger mejor el sonido de sus voces. El microfonista debe evitar dar golpes o toques en la pértiga, cuando siga a los actores por la escena, ya que estos ruidos pueden quedar grabados y estropear la toma.
Además, el microfonista se encarga de registrar el sonido, cuando este se haga en un grabador externo, y controlar la calidad del audio comprobándolo con unos auriculares durante la grabación.


En planos más cerrados, primeros planos, por ejemplo, podemos usar una pértiga corta y colocarla por debajo del actor para que esté más cerca de la boca.

Es necesario tener una pértiga para obtener un buen sonido, por eso, ya que las pértigas profesionales no están al alcance de todos los bolsillos, en este link puedes ver cómo hacer tu propia pértiga.